每個人對素描的內涵、外延的理解是不同的,我個人認為，不管油畫、國畫、版畫，甚至是抽象藝術，都是在造型，如果素描是解決造型問題的一個便捷的手段的話，素描應該還是有必要學的，我國古代當然沒有素描的概念，但當時的白描從某種寬泛的程度上來講也是一種素描。

        素描其實是一種對造型的判斷力。這是一種感受對象的能力。我覺得對一位藝術家來說，這種感受的能力是相當重要的。比如看到一個人、一幅景，或是一個瓶，他會有感覺，有想要去表現的沖動。如果說這種感受力是天生的話，那也是需要通過素描的訓練把這種潛能挖掘出來的。當然素描的方式也有不同，有被動模擬自然的，也有主動表現對象的。事實上，中國畫適應的是后者。
西方素描解決的還有空間問題。立體、透視等，這些在油畫中都是基本功。對國畫來講，畫面是平面的，即使現在我們要畫比較寫實的國畫，這種空間和油畫也是不同的。所以，如果說中國畫要學習素描的話，其側重點和西畫一定是不一樣的。要不然會帶來很多負面的效果。
        其實在比我年長一些的國畫家中，有些是非常有成就的藝術家，但依然碰到瓶頸，原因就是當年被灌輸了太多西方的素描，這種影響很難擺脫，在用中國畫的筆墨線條去表現的時候就產生問題了。這樣的素描訓練就成了枷鎖，讓中國畫的表現很不自由。從這個角度講，素描和國畫是兩個體系。尤其是對畫山水、花鳥的畫家，那是絕對不可以用這種素描的方法去訓練的，不能像畫西畫一樣去畫石膏，他們甚至可以不畫素描。         但如果從寬泛的角度來看，中國畫的素描可以用另一種方法來訓練。比如中國畫畫人物，需要很強的造型能力，因此造型訓練必不可少。中國畫的表現手法是書寫性的，要求畫家非常熟練地把想表達的東西一氣呵成地表達出來，如果在造型上稍微有點遲疑，筆停住了，那書寫性也大受影響，氣馬上就“斷了”。但中國畫的造型訓練不應該畫長期作業，不然反而對藝術的表現有損害。
        另外，國畫素描的畫法也應該摒棄完全模擬對象的、一板一眼的畫法。而在今天這個時代，也應該鼓勵造型的多樣性，畫出自己心中的感覺，自由地創作，我覺得這更符合藝術的要求。
        其實在古代，雖然不學西方意義上的素描，但也通過學習《芥子園畫譜》、再早一點的各種粉本來理解造型。比如畫花，就需要對花的結構非常理解。以齊白石為例，他沒有畫過西式素描，但他對對象的結構非常了解。記得曾經看過一份資料上說，齊白石要畫鴨子，他對鴨子一掌著地時另外一只腳掌具體是怎樣的都認真研究過，了然于心。從嚴格意義上講，他這種搞清楚的過程我們也可以理解為素描的一種，因為他不光是心里搞清楚，還勢必要通過筆頭表現出來，那這其實也是對造型的一種研究。所以對國畫來說，素描的訓練應該有自己的一套方法，不是被對象“牽著鼻子走”，不該過分寫實，而應該去捕捉更有意味的造型。         老師應該經常去啟發學生對藝術的感覺。每個人如果都有自己獨特的趣味的話，都能找到自己，我們的藝壇就會豐富多彩了。盡管這很難做到。當然對傳統的學習也是必須的。要不然這文化就傳不下來了。
        國畫老師以前在教學的時候開課徒稿，一是教給學生物象的造型，還有是一種程式。學生從這里知道牡丹是長得怎樣的，有幾種畫法，了解中國畫畫法獨特的形式語言，也就是作畫的程式。對此我覺得有優點，但是也有短板，那就是中國畫的學生除非自己有特別的才能，這樣一點點才能脫離老師，畫出和老師不一樣的牡丹、竹子來，不然就很容易陷入程式化的模式。 其實創作應該要多走出去直接面對自然，寫生很重要，當然其中完全可以融入自己內心的主觀的東西。我看到過朱屺瞻先生畫的寫生，他就用一個小本子和鋼筆勾一幢房子等等，很多東西都在他心里。
        我可以說現在畫竹子的人很少出去看真的竹子，而只是從程式里套，所以全國人民可能都畫出來一樣的竹子。我們的古人所創造出的這套程式是對著真的竹子總結出來的。我們今天如果有寫生的能力，也完全可以對著今天的竹子，去創造出一套新的程式——這種程式不同于古人，但又和我們民族文化的根連在一起。而這就需要塑造對象的能力。
        “文革”剛結束的時候，教育部曾經展開過一個大討論說國畫要不要素描。素描是不是國畫的基礎？我認為，說“素描是國畫的基礎”這肯定是不對的。但素描的造型能力卻是國畫可以借鑒的。而這種借鑒應該要以國畫學的素描方式去切入。我覺得，國畫的學生在上素描課的時候，完全可以就用毛筆來畫。比如畫石膏伏爾泰，你可以畫得像他，也可以不像他，但很有毛筆的筆意在里面。這樣西式素描對中國畫的束縛就可以大大減輕。